Pin
Send
Share
Send


Hudba je sluchové umění složené z smysluplných aranžmá zvuků s vazbou na výšku, rytmus a tonalitu. Další definicí hudby je „přirozený a intuitivní fenomén fungující v oblastech času, výšky a energie a pod třemi odlišnými a vzájemně propojenými organizačními strukturami rytmu, harmonie a melodie“. Protože hudba je přirozená, může ji v přírodě produkovat různá stvoření; a protože je to intuitivní, lidé mohou rozeznat své zvuky jako hudební. Navíc, protože hudba je intuitivní, lidé mohou ve své mysli virtuálně hrát a dokonce slyšet hudbu.

Hudba je obecně známa díky poznání specifického uspořádání zvuků a emoční reakce, kterou vyvolává. Ať už je hudba složitá a intelektuálně náročná orchestrální skladba nebo žalostná lidová píseň, rozsah odpovědí může zahrnovat celou škálu lidských emocí. Díky tomu je hudební umění univerzálním projevem lidské zkušenosti.

Hudba je životně důležitým aspektem kultury. Má schopnost vyvolat věkové tradice nebo podněcovat lidi ke společenské změně. Schopnost hudby propojit jednotlivce se společenským a kulturním zážitkem je jednou z jeho nejdůležitějších vlastností. Reakce na hudbu mohou být často viscerální a ve dvacátém století globální přitažlivost jazzu, blues, lidové hudby a rock and roll pokročilých rovnostářských hodnot a přispěla k uvolnění sexuálních mravů. V 21. století přináší šíření emocionálně nabité hudby prostřednictvím nových elektronických médií hudebníkům a skladatelům bezprecedentní celosvětovou expozici a vliv.

Všudypřítomný vliv hudby v moderním světě zdůrazňuje význam odpovědného a osvíceného uměleckého vyjádření. Schopnost hudby vyvolat vášně a ovlivňovat postoje a přesvědčení z ní činí důležitý prvek pro nasměrování lidského vědomí k hodnotám, které mohou vyřešit nepřátelství mezi rasami a kulturami a inspirovat ideály, které podporují kolektivní touhu lidstva po kultuře míru.

Co je to hudba?

Hudba je často definována kontrastem s hlukem nebo řečí. Některé definice hudby ji explicitně umístí do kulturního kontextu tím, že definují hudbu, co lidé považují za hudební.

Obecně uvádíme několik definic:

  • Ti, kteří definují hudbu jako vnější, fyzický fakt, například „organizovaný zvuk“ nebo jako specifický druh vnímání
  • Ti, kteří ji označují podle kontextu jako sociální konstrukci nebo subjektivní zkušenost
  • Ti, kteří to označují jako umělecký proces nebo produkt, se souvisejícími psychologickými jevy
  • Ti, kteří hledají platonický nebo kvaziplatonický ideál hudby, který není zakořeněn konkrétně ve fyzických nebo mentálních pojmech, ale ve vyšší pravdě.

Definice hudby jako zvuku se zvláštními charakteristikami je považována za psychoakustiku a je běžná v muzikologii a výkonu. V tomto pohledu existují pozorovatelné vzorce toho, co je obecně označená hudba, a ačkoli existují pochopitelné kulturní variace, vlastnosti hudby jsou vlastnosti zvuku tak, jak je lidé vnímají a zpracovávají.

Tradiční filozofie definuje hudbu jako tóny uspořádané horizontálně (jako melodie) a vertikálně (jako harmonie). Hudební teorie je v této oblasti studována s předpokladem, že hudba je uspořádaná a často příjemná.

John Cage je nejslavnějším obhájcem myšlenky, že hudba může být cokoli, například: „Neexistuje žádný hluk, pouze zvuk.“ Podle muzikologa Jean-Jacques Nattiez:

„Hranice mezi hudbou a hlukem je vždy kulturně definovaná - což znamená, že ani v jedné společnosti tato hranice ne vždy prochází stejným místem; zkrátka existuje jen zřídka konsenzus… Ze všech účtů neexistuje singl a interkulturní univerzální koncept definující, co může být hudba. “ 1

Na podporu názoru, že hudba je označení pro celou řadu různých aspektů, které jsou kulturně konstruovány. Definice hudby často uvádí aspekty nebo prvky tvořící hudbu. Molino (1975: 43) tvrdí, že kromě nedostatku konsensu „může být izolován nebo považován za strategickou proměnnou hudební produkce jakýkoli prvek patřící do celkového hudebního faktu“. 2. Jako příklad uvádí Nattiez Mauricio Kagel Con Voce (hlasem), kde maskované trio tiše napodobuje hrající nástroje. V tomto příkladu je vyloučen zvuk, společný prvek, zatímco gesta, méně běžnému prvku, je dána přednost.

Platonický ideál hudby je v současné době nejméně módní ve filosofii kritiky a hudby, protože je na jedné straně přeplněn fyzickým pohledem - z čeho je metasubstance hudby vyrobena, ne-li zvuk? - a na druhé straně konstruovaným pohledem na hudbu - jak lze rozeznat rozdíl mezi jakýmkoli meta-narativem hudby a tím, který je pouze inter-subjektivní? Jeho přitažlivost, nalezení neočekávaných matematických vztahů v hudbě a nalezení analogií mezi hudbou a fyzikou, například teorie strun, však znamená, že tento pohled stále nalézá přívržence, včetně takových kritiků a interpretů jako Charles Rosen a Edward Rothstein.

Pokud jde o matematiku, je zjištěno, že hudba, zejména barokního období, má měřitelný rytmus, který zlepšuje proces učení mozku, takže školy jsou známé jako metoda studia.

Aspekty hudby

Klavír je jednou z nejčastějších forem tvorby hudby.

Tradiční nebo klasické evropské aspekty hudby, které jsou často uvedeny, jsou ty prvky, které dostaly prvenství v klasické hudbě ovlivněné Evropou: melodie, harmonie, rytmus, tón / zabarvení a hudební forma. Komplexnější seznam je uveden uvedením aspektů zvuku: hřiště, zabarvení, intenzita zvuku a trvání.3 Tyto aspekty se spojí a vytvoří sekundární aspekty včetně struktury, textury a stylu. Mezi další běžně zahrnuté aspekty patří prostorové umístění nebo pohyb zvuků, gesta a tance v prostoru. Ticho je také často považováno za aspekt hudby, pokud je považován za existující.

Jak je uvedeno výše, nejenže se aspekty obsažené v hudbě liší, jejich význam se liší. Například melodie a harmonie jsou často považovány za důležité v klasické hudbě na úkor rytmu a zabarvení. John Cage považoval trvání za primární aspekt hudby, protože je to jediný aspekt společný jak „zvuku“, tak „tichu“.

Často se diskutuje, zda existují univerzální aspekty hudby. Debata často závisí na definicích, například poměrně časté tvrzení, že „tonalita“ je univerzální veškerou hudbou, může nutně vyžadovat rozsáhlou definici tonality. Pulz (hudba) | pulz je někdy považován za univerzální, přesto existují sólové vokální a instrumentální žánry s volnými improvizačními rytmy bez pravidelného pulsu.4 Jedním příkladem je alap část Hindustaniho hudebního představení. Podle Franka Zappa

„Musíme se zeptat, zda interkulturní hudební univerzál má být nalezen v samotné hudbě (buď její struktuře nebo funkci), nebo způsobu, jakým se hudba vyrábí.„ Hudbou “zamýšlím nejen skutečné vystoupení, ale také jak je hudba slyšet, porozumět, dokonce se naučit. “5

Běžné termíny

Běžné termíny používané k diskuzi o konkrétních dílech zahrnují poznámky, což je abstrakce, která odkazuje buď na konkrétní výšku a / nebo rytmus nebo psaný symbol; melodie, která je posloupností not slyšených jako nějaký druh jednotky; akord (hudba) | akord, což je souběžnost not slyšených jako nějaký druh jednotky; akordová progrese, která je posloupností akordů (simultánní posloupnost); harmonie, což je vztah mezi dvěma nebo více hřišti; kontrapunkt, což je simultánnost a organizace různých melodií; a rytmus, což je organizace trvajících aspektů hudby.

Výkon

Kytara, kterou hraje hudebník.

Někdo, kdo hraje, skládá nebo řídí hudbu, je hudebník. Výkon je metoda, kterou hudebníci sdílejí hudbu s ostatními.

Hudební nástroje

Hudební nástroj je zařízení konstruované nebo upravené za účelem tvorby hudby. Jako hudební nástroj může v zásadě sloužit vše, co produkuje zvuk a může být nějakým způsobem ovládáno hudebníkem. Výraz je však obecně vyhrazen pro předměty, které mají specifický hudební účel. Akademické studium hudebních nástrojů se nazývá organologie.

Druhy hudebních nástrojů

Nástroje jsou často rozděleny podle způsobu, jakým generují zvuk:

  • Dechové nástroje generovat zvuk, když se vytvoří sloupec vzduchu, který v nich vibruje. Frekvence generované vlny souvisí s délkou sloupce vzduchu a tvarem nástroje, zatímco kvalita zvuku generovaného zvuku je ovlivněna konstrukcí nástroje a způsobem výroby tónu. Skupina je obvykle rozdělena na mosaz, jako trubka, a Woodwindovy nástroje, jako je klarinet, dudy a flétna.
  • Lamellaphones vytvořte zvuk trháním lamel z různých materiálů (kov, raphia atd.). Tyto nástroje jsou laditelné, takže nepatří k idiofonům. Příkladem je Mbira.
  • Bicí nástroje při nárazu vytvářejte zvuk s roztečí nebo bez ní. Tvar a materiál části nástroje, která má být zasažena, a tvar rezonující dutiny, pokud existuje, určují zvuk nástroje. Příklady: bubny, zvony a činely.
  • Strunné nástroje generovat zvuk, když je struna strhává, strummed, plácnutí atd. Frekvence generované vlny (a tedy i noty) obvykle závisí na délce vibrační části struny, její lineární hustotě (hmotnost na jednotku délky řetězec), napětí každého řetězce a bod, ve kterém je řetězec vzrušený; kvalita tónu se mění s konstrukcí rezonující dutiny. Příklady: kytary, housle a sitary. Elektrické strunné nástroje generují zvuk snímačem umístěným pod řetězci. Elektrická kytara a elektrická basa jsou nejznámějšími příklady, existuje však celá řada nových nástrojů, protože elektromagnetické zesílení přináší nové možnosti. Další příklady: 3. koto, overtone bridge, elektrický baryton, elektrický cymbalom.
  • Hlas, to znamená, lidský hlas, je nástroj sám o sobě. Zpěvák generuje zvuky, když proudění vzduchu z plic nastaví hlasité šňůry na kmitání. Základní frekvence je řízena napětím hlasivek a kvalitou tónu vytvářením hlasivek; lze vytvořit širokou škálu zvuků.
  • Elektronické nástroje generovat zvuk elektronickými prostředky. Ve svém designu často napodobují jiné nástroje, zejména klávesnice, bicí a kytary. Příklady: syntetizátory a thereminy.
  • Klávesové nástroje jsou všechny nástroje, které se hrají s hudební klávesnicí. Každé tlačítko generuje jeden nebo více zvuků; většina klávesových nástrojů má k dispozici další prostředky (pedály pro klavír, zastávky pro varhany) pro manipulaci s těmito zvuky. Mohou vydávat zvuk větrem (orgánem) nebo pumpovaným (akordeonem), vibrujícími strunami, buď kladivem (klavír), nebo trhaným (cembalo), elektronickými prostředky (syntetizátorem) nebo jiným způsobem. Někdy jsou nástroje, které obvykle nemají klávesnici, jako je Glockenspiel, vybaveny jednou. Přestože nemají žádné pohyblivé části a jsou zasaženy paličkami drženými v rukou hráče, mají stejné fyzické uspořádání kláves a podobným způsobem vytvářejí zvukové vlny.

Všechny třídy nástrojů kromě elektronických jsou zmíněny ve starověkých zdrojích, jako jsou egyptské nápisy, bible a mnoho tisíc let staré hinduistické védy, a pravděpodobně předcházejí zaznamenané historii. Lidské tělo, které vydávalo jak hlasové, tak perkusní zvuky, mohlo být prvním nástrojem. Dalším pravděpodobným kandidátem jsou bicí nástroje, jako jsou kameny a duté kulatiny. Například v čínských archeologických lokalitách bylo nalezeno devět tisíc let staré kostní flétny nebo zapisovače.

Sólové a komplikované představení

Mnoho kultur zahrnuje silné tradice sólo (hudba) | sólo nebo sólové vystoupení, jako například v indické klasické hudbě, zatímco jiné kultury, například na Bali, v Indonésii, zahrnují silné tradice hudebního souboru | Všechny kultury zahrnují směs obojího a výkon se může pohybovat od improvizovaného sólového hraní pro potěšení někoho po vysoce naplánované a organizované výkonové rituály, jako jsou moderní klasický koncert nebo náboženské průvody. To, čemu se říká komorní hudba, je často vnímáno jako intimnější než symfonická díla. Účinkující se nazývá hudebník, skupina je hudební soubor, jako je rocková skupina nebo symfonický orchestr.

Zachování a zápis

Hudba je často uchována pouze v paměti a představení, předávaná ústní historií ústně nebo sluchově ("uchem"). Taková hudba - zejména ta, která nemá známého individuálního skladatele - je často klasifikována jako „tradiční“. Různé hudební tradice mají různé postoje k tomu, jak a kde provést změny v původním zdrojovém materiálu, od docela přísných, k těm, které vyžadují umění improvizace. Je-li hudba zapsána, obecně se nějakým způsobem pokouší zachytit, co by měli posluchači slyšet, a co by měl hudebník udělat pro provedení hudby. Toto je odkazoval se na jako hudební notace a studium jak číst notaci zahrnuje hudební teorii. Písemná notace se liší podle stylu a období hudby a mezi častější notace patří partitury, hlavní listy, kytarová tablatura. Obecně se hudba, která má být prováděna, vyrábí jako notová hudba. Předvedení hudby z notace vyžaduje pochopení jak hudebního stylu, tak výkonové praxe očekávané nebo přijatelné.

Improvizace, interpretace, kompozice

Většina kultur používá alespoň část pojmu předběžného hudebního materiálu nebo hudební kompozice, jak se konalo v západní klasické hudbě. Mnoho, ale méně kultur také zahrnuje související pojetí interpretace, provádějící materiál koncipovaný ostatními, s kontrastními koncepty improvizace a volné improvizace, což je materiál, který je spontánně „myšlenkou“ (představen si) při provádění, ne předem pochopený. Mnoho kultur a lidí však toto rozlišení vůbec nemá, používá širší koncept, který zahrnuje obě bez diskriminace. Vylepšená hudba prakticky vždy dodržuje některá pravidla nebo konvence a dokonce i „plně složená“ zahrnuje nějaký volně vybraný materiál. Toto je nalezené v Jazzu, zejména s Milesem Davisem (sólista Trumpet) improvizujícím proti orchestracím Gil Evans. Také improvizace umělců v jazzu byly organizovány (Thelonious Monk) a sóla dokonce zpívala (nazývala vocalese) tradici zahrnující Eddie Jefferson, King Pleasure, Lambert, Hendricks a Ross. Viz (předkompoziční). Složení neznamená vždy použití zápisu nebo známé výhradní autorství jednoho jednotlivce.

Mimicry se také používá v hudbě, kde se různé nástroje nebo hlas používají k napodobování přírody nebo dokonce městských zvuků, jako jsou vlaky, auta, stroje atd., Nebo dokonce bizarní, jako v části „Míč a řetěz“, bluesový kus.

Hudba může být také určena popisem „procesu“, který může vytvářet hudební zvuky, příklady tohoto rozsahu od zvonkohry, přes počítačové programy, které vybírají zvuky. Hudba, která obsahuje prvky vybrané náhodou, se nazývá aleatorická hudba a je nejslavněji spojována s Johnem Cageem a Witoldem Lutosławským. Viz: (předkompoziční), forma (hudba), modulace (hudba) | modulace, technika dvanácti tónů, serialismus a procesní hudba.

Skladby

Hudební kompozice je termín, který popisuje složení hudební skladby. Metody kompozice se velmi liší, nicméně při analýze hudby jsou všechny formy - spontánní, trénované nebo netrénované - vytvořeny z prvků obsahujících hudební kus. Hudba může být složena pro opakované představení nebo může být improvizována nebo složena na místě. Hudba může být prováděna zcela z paměti, z psaného systému hudební notace nebo nějaké kombinace obou. Studii kompozice tradičně dominovalo zkoumání metod a praxe západní klasické hudby, ale definice kompozice je dostatečně široká, aby zahrnovala spontánně improvizovaná díla, jako jsou díla svobodných jazzových interpretů a afrických bubeníků. Při pochopení složení díla je důležité jeho prvky. Porozumění formálním prvkům hudby může být nápomocné při dešifrování přesně toho, jak je díl vyroben. Univerzálním prvkem hudby je čas nebo obecně rytmus. Když kus vypadá, že nemá čas, to je zvažováno 'rubato'. Italský termín, což znamená „volný čas“, neznamená „bez rytmu“, ale spíše to, že „tempo“ nebo čas skladby se dynamicky mění. Dokonce i náhodné umísťování náhodných zvuků, které se často vyskytují v hudebním sestřihu, se vyskytuje v nějakém druhu času, a proto zaměstnává čas jako hudební prvek. Každá hudební událost složená z prvků může být považována za „kompozici“.

Recepce a konkurz

Oblast hudebního poznání zahrnuje studium mnoha aspektů hudby včetně toho, jak je zpracováváno posluchači.

Hudbu zažívají jednotlivci v celé řadě společenských prostředí, od osamocení až po účast na velkém koncertu. Koncerty mají mnoho různých podob a mohou zahrnovat lidi, kteří se oblékají ve formálním oblečení a tiše sedí v řadách hlediště, pijí a tančí v baru, nebo hlasitě povzbuzují a vydávají se v hledišti.

Neslyšící nebo sluchově postižení lidé mohou zažít hudbu pocitem vibrací v jejich těle; nejslavnějším příkladem neslyšícího hudebníka je skladatel Ludwig van Beethoven, který složil mnoho slavných děl i poté, co zcela ztratil sluch. V modernějších dobách je Evelyn Glennie, hluchá od dvanácti let, vysoce uznávaným perkusionistou. Také Chris Buck, houslista a novozélanďan, nedávno ztratil sluch.

Viz: Baschet Brothers. Viz: psychoakustika.

Média

Hudba, kterou skladatelé vytvářejí, lze slyšet prostřednictvím několika médií; nejtradičnějším způsobem je slyšet živě, v přítomnosti nebo jako jeden z hudebníků. Živá hudba může být vysílána také prostřednictvím rádia, televize nebo internetu. Některé hudební styly se zaměřují na produkci zvuku pro představení, zatímco jiné se zaměřují na výrobu nahrávky, která kombinuje zvuky, které nikdy nebyly hrané „živě“. Nahrávání, dokonce i stylů, které jsou v podstatě živé, často využívá schopnost editovat a spojovat a vytvářet nahrávky, které jsou považovány za „lepší“ než skutečný výkon.

V mnoha kulturách existuje menší rozdíl mezi hraním a poslechem hudby, protože prakticky každý je zapojen do nějaké hudební činnosti, často komunální. V průmyslově vyspělých zemích se poslouchání hudby prostřednictvím nahrané formy, jako je zvuková nahrávka nebo sledování hudebního videa, stalo běžnější než zažívání živých vystoupení, zhruba v polovině 20. století. Živá představení někdy obsahují předem zaznamenané zvuky; například diskžokej nebo DJ používá gramofonové záznamy | Lidé často cvičí na videích, rádiích, páskách nebo stažené hudbě na ipodech, hledání hudby a / nebo rytmu zvyšuje trénink. Publikum se také může stát umělcem pomocí Karaoke, vynalezeného Japoncem, který používá hudební video a skladby bez hlasu, takže umělec může přidat svůj hlas k dílu.

Vzdělání

Výcvik

Mnoho lidí, včetně celých kultur, komponuje, hraje a improvizuje hudbu bez tréninku a necítí potřebu tréninku. Metoda „podívej se“ se jeví také populární. Jiné kultury mají tradice přísného formálního vzdělávání, které může trvat roky a vážné odhodlání. Někdy má toto školení formu učňovské přípravy. Například, hudba indické přípravy tradičně trvá déle než vysokoškolské vzdělání a zahrnuje duchovní disciplínu a úctu k něčemu guruovi nebo učiteli. V hudbě na Bali se každý učí a cvičí společně. Je také běžné, že se lidé účastní lekcí hudby, krátkých soukromých studijních relací s individuálním učitelem, když se chtějí naučit hrát nebo komponovat hudbu, obvykle za poplatek. Slavná učitelka soukromé kompozice je Nadia Boulanger.

Metoda Suzuki je způsob výuky neboli vzdělávací filozofie, který se nejčastěji používá při učení hraní hudby. Název se také někdy používá pouze pro odkazy na hudební noty a / nebo zvukové nahrávky, které byly publikovány jako součást metody. Vynalezl ji v polovině dvacátého století dr. ​​Shin'ichi Suzuki. Dr. Suzuki si všiml, že všechny děti si velmi rychle osvojují svůj rodný jazyk, a dokonce i dialekty, které dospělí považují za „obtížné“ se naučit, lidé z 5 nebo 6 let snadno mluví. Zdůvodnil, že pokud má člověk schopnost osvojit si svůj mateřský jazyk, pak má nezbytnou schopnost ovládat hudební nástroj. Modeloval svou metodu, kterou nazval „Vzdělávání talentů“ (jap. 才能 教育) sainō kyōiku), po procesu získání přirozeného jazyka. Dr. Suzuki věřil, že každé dítě, pokud je správně učeno, je schopno dosáhnout vysoké úrovně hudebních úspěchů. Také objasnil, že cílem takové hudební výchovy bylo vytvořit generace dětí s „vznešeným srdcem“ (na rozdíl od vytváření slavných hudebních zázraků).

Metoda Suzuki byla poprvé vyvinuta pro studium houslí, ale byla upravena pro flétnu, diktafon, klavír, kytaru, violoncello, violu, basu, varhany, harfu a hlas. Kromě toho existuje několik „školek Suzuki“, které přizpůsobily filozofii Dr. Suzukiho použití v nehudebních oborech. Obsah Dr. Suzuki včlenil metodu Suzuki, ve které se dítě učí učit nástroj prostřednictvím rodiče před tím, než je vzděláváno v primárním vzdělávání.

Středoškolské vzdělání

Začlenění hudebního výkonu a teorie do obecných osnov liberálního umění, od předškolního po postsekundární vzdělávání, je relativně běžné. Středoškolské vzdělávání v západním stylu je stále běžnější po celém světě, například STSI na Bali. Mezitím západní školy stále více zahrnují studium hudby jiných kultur, jako je balijský gamelan, z nichž v současné době existuje v Americe více než 200.

Studie

Mnoho lidí také studuje o hudba v oboru muzikologie. Nejranější definice muzikologie definovaly tři dílčí obory: systematická muzikologie a srovnávací muzikologie. V současném stipendiu je více pravděpodobné, že narazíte na rozdělení disciplíny na hudební teorii, hudební historii a etnomuzikologii. Výzkum v muzikologii byl často obohacen o interdisciplinární práci, například v oblasti psychoakustiky. Studium hudby nesápadních kultur a kulturní studium hudby se nazývá etnomusikologie.

Ve středověku bylo studium hudby jedním z „Quadrivia“ sedmi liberálních umění a považovalo se za zásadní pro vyšší učení. V rámci kvantitativního kvadrivia byla hudba nebo přesněji harmonické, studium racionálních proporcí.

Zoomusikologie je studium hudby nehumánních zvířat nebo hudebních aspektů zvuků produkovaných nehumánními zvířaty. Jak se ptal George Herzog (1941), „mají zvířata hudbu?“ François-Bernard Mâche Musique, mythe, příroda, ou les Dauphins d'Arion (1983), studie "ornitomusikologie" pomocí techniky Ruwet Jazyk, hudba, poésie (1972) paradigmatická segmentační analýza, ukazuje, že ptačí hnízda jsou organizovány podle principu opakování-transformace. Podle názoru Jean-Jacques Nattiez (1990), „v poslední analýze je to člověk, kdo rozhoduje, co je a není hudební, i když zvuk není lidského původu. Pokud uznáme, že zvuk není organizován a konceptualizováno (tj. vytvořeno pro tvorbu hudby) pouze jeho producentem, ale myslí, která ji vnímá, je hudba jedinečně lidská. ““

Hudební teorie je studium hudby, obvykle velmi technickým způsobem mimo jiné obory. Obecněji se odkazuje na jakékoli studium hudby, obvykle spojené v nějaké formě s kompozičními starostmi, a může zahrnovat matematiku, fyziku a antropologii. Nejčastěji se na hodinách hudební teorie vyučují pokyny, jak psát ve stylu běžné praxe, nebo tónová hudba. Teorie, i to, co studuje hudbu běžného období praxe, může nabývat mnoha jiných forem. Teorie hudební množiny je aplikace teorie matematické množiny na hudbu, nejprve aplikovaná na atonální hudbu. Teorie spekulativní hudby, na rozdíl od teorie analytické hudby, se věnuje analýze a syntéze hudebních materiálů, například systémů ladění hudby, obecně jako přípravy na kompozici. Viz výše uvedené „Společné podmínky“.

Musiconomy je disciplína, která využívá nástroj vyvinutý ve dvacátém století, počítač. Podobné srovnání lze provést s astrologií a astronomií. Když Galileo Galilei představil dalekohled, astrologie se vyvinula v astronomii. Počítač umožňuje uživateli (podobně jako mikroskop) zaostřit dovnitř. Pozorovatel dalekohledu by se díval ven do vesmíru. Tato studie se také týká kognitivní vědy.

Dějiny

Dějiny hudby ve vztahu k lidem předcházejí psanému slovu a jsou spojeny s vývojem a jedinečným vyjádřením různých lidských kultur. Populární styly hudby se velmi lišily od kultury ke kultuře a od období k období. Různé kultury zdůrazňovaly různé hudební nástroje nebo techniky. Hudební historie sama o sobě je zřetelným podpolíkem muzikologie a historie, které studuje dějiny hudební teorie.

Raná historie

Byli to Pythagorejci, kteří zjistili, že vztah mezi notami lze vyjádřit v číselných poměrech malých celých čísel. Zjistil, že použitím poměru 3/2 je možné převést noty do matematických rovnic. Pythagoras se zajímal o hudbu i matematiku. Chtěl zlepšit hudbu své doby, o které věřil, že není dostatečně harmonická a příliš chaotická. Pythagoras věřil v něco, co se nazývalo harmonií sfér. Věřil, že od doby, kdy se planety a hvězdy pohybovaly ve vesmíru podle matematických rovnic, mohly být tyto matematické rovnice převedeny na noty, a tak vytvořit symfonii. Nejprve popsal přírodní harmonie jako zásadně potěšující před více než 2 500 lety. Oktáva, noty stupnice a určité harmonické kmeny, jako je tzv. „Zlatá 5.“, kde noty „so“ a „do“ zní společně, jsou příklady těchto souběžných zvuků. Souhlasné tóny, zvuky obecně spojené se slovy „in melodie“ a převládající v západní hudbě sahající až do kraje jako Beethoven a Motown, jsou schopny upoutat pozornost kojenců. Zároveň děti jen stěží reagují na více disonantní kombinace - například C a F sharp hrály společně. Tyto out-of-naladit znějící noty jsou často používány atonálními skladateli, jako jsou Schoenberg a Berg.

Středověk

Kolem 500 C.E., západní civilizace byla ponořena do „temného věku“, v době, kdy invaze na hordy překonala Evropu a přinesla konec bývalé římské říše. Křesťanství však získalo pevnost a v následujících deseti stoletích dominovala v Evropě nově vznikající křesťanská církev, která obecně diktovala osud hudby, umění a literatury. Toto je nejdelší období západní hudební historie a skládá se z hudby téměř tisíce let. Církev pak byla ústředním bodem společenského života, učení a umění. Papež Gregory I (590 - 640 C.E.) je obecně považován za shromáždil a kodifikoval hudbu známou jako Gregoriánský chorál, velký repertoár zpěvů z prvních století křesťanské církve. To se pak stalo schválenou hudbou církve. Není známo, kdo tyto melodie napsal, podobně jako lidová hudba, pravděpodobně se změnil, protože byl předáván generacemi. Mnohem později na univerzitě v Notre Dame v Paříži došlo k vytvoření nového druhu hudby zvané organum. Světská hudba byla zpívána po celé Evropě troubadoury a francouzskými problémy. Světská píseň byla důležitá pro středověku, byla monofonická a stylisticky rozmanitější než prostá píseň.

Raná středověká notace hudby nevypadala jako notace používaná v současné hudbě. Nejčasnější známky notačního systému notačního systému pro hudbu používaly neume. Hudební notaci po dlouhou dobu tvořily hřiště nebo noty, které měly být zpívány. Jiné hudební notace, jako je rytmus, začaly až ve dvanáctém nebo třináctém století. Ke druhé části středověku se hudba skládala ze dvou nebo více melodických linií, které byly slyšet současně, zvané polyfonie. Toto se objevilo kolem 1200s. Polyfonii bylo složitější než monofonní zpěv, protože skladatel musel kombinovat více melodických linií způsobem, který by byl pro posluchače potěšující.

Renesance

Obecně se předpokládá, že pochází z ca. 1420 - 1600, renesance (doslova znamenat “znovuzrození”) byla doba velkého kulturního probuzení umění, dopisů a věd v celé Evropě. Se vzestupem humanismu začala posvátná hudba osvobozovat od Církve a skladatelé trénovaní v Nizozemsku ovládli umění polyfonie v jejich nastavení posvátné hudby. Tyto polyfonní tradice dosáhly svého vrcholu vrcholem nepřekonatelných děl Giovanniho da Palestriny. Během tohoto období prospívala světská hudba a instrumentální a taneční hudba byla prováděna v hojnosti, ne-li vždy napsána. Pozdní renesance také viděla v Anglii rozkvět anglického madrigalu, složeného takovými pány jako John Dowland, William Byrd, Thomas Morley a další.

Barokní věk

Barokní období (ca. 1600 - 1750), pojmenované po populárním ozdobeném architektonickém stylu té doby, začalo povstalce proti vzpomínkám na styly, které převládaly během vrcholné renesance. Bylo to v době, kdy mnoho monarchií Evropy vedlo k tomu, že se navzájem předčí v hrdosti, pompě a pohanství. Mnoho monarchů zaměstnávalo u soudu skladatele, kteří byli o něco více, než služebníci očekávali, že se hudba ukáže při jakékoli příležitosti. Největší skladatel té doby, Johann Sebastian Bach a další skladatelé té doby, dokázali rozbít nové hudební prostředí, vytvořili zcela nový hudební styl, barokní. To bylo během časné části sedmnáctého století že žánr opery byl vytvořen skupinou skladatelů ve Florencii, Itálie, a nejčasnější operní mistrovská díla byla složena Claudiem Monteverdi. Instrumentální koncert se stal jádrem barokní éry a nachází nejsilnějšího exponenta v dílech benátského skladatele Antonia Vivaldiho. Cembalová hudba dosáhla nových výšin díky dílům takových mistrů, jako je Domenico Scarlatti atd. Tance se formalizovaly do instrumentálních souprav a složily prakticky všichni skladatelé té doby. However, vocal and choral music still reigned supreme and culminated in the great operas and oratorios of German-born composer George Frideric Handel.

The Classical Period

From roughly 1750 to 1820, artists, architects, and musicians moved away from the heavily ornamented styles of the Baroque and the Rococo, and instead embraced a cleaner, uncluttered style reminiscent of Classical Greece. The newly established aristocracies were replacing monarchs and the church as patrons of the arts, and were demanding tuneful, elegant music. Dances such as the minuet and the gavotte were provided in the forms of entertaining serena

Pin
Send
Share
Send